随着现代剧院的发展和改善的增长和改善，作为舞台创造的重要组成部分，舞台照明越来越多地显示出其完整而独立的美学特征和存在价值。但是，与行业中不断增长的价值相比，公众甚至该行业都没有对其同比更加关注。在Zhou Zhengping的当代照明艺术作品研讨会和第二届国际舞台照明设计会议以杭州结束时，我们的报纸专门针对该页面，以吸引更多的讨论并允许舞台灯光从阐明我们的视线中真正进入我们的愿景。 - 编辑

谈论门外的光

周Yude

在舞台上使用照明与照明技术的水平有关，并且与人们的美学追求一致。在歌剧发展的历史中，只要夜间歌剧表演，就必须有照明。最初可用的照明工具只有松树，火炬，油灯和灯笼。要实现的目的是使舞台更加明亮，没有关于照明艺术的说法。在富裕的房子里表演的目的是使大厅明亮，并且无需谈论照明的艺术。

在明朝的晚期，随着歌剧艺术的改善，并受到竞争新颖和钦佩新颖性的社会氛围所引起的，人们不再满足于在门窗的舞台和一张桌子和两把椅子上总是表演歌剧，因此一些富裕的家庭开始尝试使用灯光来表演歌剧。在明朝晚期，当Liu Huiji的家庭阶级表演“ Tang Dynasty的皇帝访问月球宫”时，他试图将光作为一种艺术手段来创造月亮宫殿的幻觉。在明朝晚期，张戴（张戴）的“陶恩（Tao'an）的梦想回忆：刘·惠吉（Liu Huiji）的女性歌剧”（Liu Huiji）的女性歌剧”说：“如果刘·惠吉（Liu Huiji）的奇怪爱情与幻想幻想，他想弥补liyuan花园的缺陷。例如黑色的窗帘突然露出了，她坐在五个颜色的情况下，坐在中间。走进月球洞穴。这是到目前为止已经看到的歌剧照明艺术的最早记录。尚不清楚谁是Liu Huiji家族的舞台设计师。他当时使用了最亮的灯光，再加上敏捷的窗帘操作，创造了一种舞台幻觉，这是400年前舞台照明艺术的最高水平。

但是，这种设计并未成为歌剧阶段的主流。因为这样做这种照明设计需要丰富的财务支持，更不用说武术团体没有这种力量，即使是通常的家庭班也可能没有那么熟练的设计师。中国歌剧舞台上出现的时空的所有场景和内容基本上都由演员的风格表演以及唱歌和朗诵解释，表达了世界上的一切。这是歌剧艺术的传统。这种传统的原因既是对物质条件的限制，也是中国传统哲学的审美指导。因此，尽管Liu Huiji的家人开始了这种积极的探索，但它从来没有能够构成戏剧表演的主流。数百年来，中国歌剧已经在空阶段进行，依靠一张桌子，两个椅子和门窗作为支撑。

但是，对灯和套装的探索仍在继续，通常称为“彩色头”和“灯光”。在明朝的尽头，南京的鲁恩·达兴（Ruan Dacheng）家族进行了表演。该剧院设在广阔，外面有一个沉重的窗帘，里面有一支蜡烛，白天和黑夜都播放了传奇。所有“十个错误的识别”，“ Mani Pearl”，“燕子”等都非常聪明。在Kangxi时期，Yu Jinquan在Taizhou的家人以非常特殊的方式行事。 Kong Sungren有一个详细的描述：“修改是在弹簧灯笼中跳舞，房间里充满了灯光。星空的天空在窗户上窥视，窗帘长时间移动。一个灯和一盏灯接一个地吐出来，而十二个金色的夹裤则二十四岁...”场景不断变化。随着灯光的变化，人们进入了一个很棒的领域。 “目前，灯光不像灯，日落正在下降，日落生长。有时金蟾蜍在彩虹阴影上喷洒彩虹阴影，有时蓝天是明亮的，银星是闪闪发光的，有时蜡烛龙旋转紫色的光，有时绿色的高绿色是萤火虫的流动。”最后，“一盏灯逐渐熄灭，黑暗的乌鸦在黎明前哭泣。混乱就像是第一次来时，角色在宇宙中垂死而古老。” （“舞蹈灯笼·给liviang Pavilion保留礼物”）光明的魅力使孔氏宗教赞美它。

清朝的扬州的盐商人非常富裕，当然，他们在表演时也大惊小怪。 Qianlong时期的“ Yangzhou Huafanglu”的第5卷记录了扬州的“ Nei Banxing”：“小洪班的灯笼歌剧，照亮了三层楼的拱门和二十四盏灯。”不幸的是，没有描述这些二十四个灯是如何操作的。

歌剧的舞台照明正在不断改善，灯笼正在不断出现。在清朝的第三年（1864年），成立了上海Zilaihuo（Gas）公司，并将可以调节亮度调节的燃气灯引入了茶园的舞台。在广光时期，灯笼取得了长足的进步。在广光（1882）的第八年，上海引入了电灯（当时称为“电灯”），各种剧院很快采用了它们，舞台灯得到了极大的改善，现实的场景开始出现。在广光时期的第34年，建造了上海的一个新舞台。张尤古（Zhang Yuguang）这样的艺术家使用西方绘画方法绘制逼真的柔软胶卷，并伴随着新的彩色灯光，令人耳目一新。在清朝和中国早期共和国，上海具有舞台灯光和表演区域的光线。在持续的戏剧和文明戏剧的趋势中，在中国共和国（1915年）的第四年，上海拥有机构套装，舞台照明技术得到了极大的改善。它可以控制光源的光和黑暗，发明了光学魔术套件，并创建了特殊的特技灯（颜色大灯）。上海一直是第一个成为趋势的人。在上海，天津的剧院和剧院的驱动下，北京和其他地方正在为歌剧阶段的照明试验。

在中国共和国（1919年）的第八年中，天津“春天柳树”的“谈论天河”描述了当时的舞台场景：玉皇帝位于中间，在他面前有一张香桌，红蜡烛很热。双方的四个仙女和神童都握着莲花灯笼，站在长凳上，这非常整洁。当时，花园里的灯都关闭了，蓝光在舞台上闪闪发光。有一段时间，天上的官员和两个神来见到翡翠女王，坐在玉皇案的案子前方。织布工的女孩出现后，她被西扬顿（Siyuntong）带领，舞台上充满了五色的灯光。在尼克斯（Niuxian）上，杰德皇帝（Jade Emperor）命令他靠近地球并与尼克斯（Niuxian）的婚姻相匹配。在Niuxian上，舞台变成了太阳的光。看着远处的玉皇帝的神，看起来像是圣殿的雕像。窗帘关闭，公园里的灯光恢复到灯光。当时，这可能是照明艺术的最高水平。

在1930年代左右，天窗和霓虹灯被用于舞台集。头等舱使用更复杂的照明，并结合了更逼真的集合来创造气氛并增加舞台的分层。还有一个专门在上海租用舞台灯和设备的行业。在1940年代，受戏剧的影响，歌剧团俱乐部的舞台艺术得到了改善。上海Yue Opera在探索舞台照明和场景中的速度更快。 Yue Opera首次使用“雨天之夜”使用聚光灯，而“ Chang'e Flying to Moon”使用Cloud Lights来表达天空中的气氛。舞台集和照明重点是将它们与情节和角色结合在一起。

在新中国成立之后，这家歌剧团进行了重组。 1930年代出现的大多数舞台照明专业人士都纳入了国家和地方剧团的舞台艺术团队或舞台艺术工厂。天空窗帘投影幻灯片投影仪，大返回灯，反光聚光灯，下端钛弹灯，卤素钨灯，晶闸管调光控制器，自动灯以及雨水和雪灯，运行的云灯和其他舞台照明设备。在1960年代和1970年代，在现代歌剧表演中，歌剧舞台上的照明受到重视，甚至成为描绘角色角色和色彩的一种手段。例如，当像Hatoyama和Zuoshan Diao这样的负面角色出现时，他们有意识地在脸上击中了绿色或蓝色的灯。照明的普及促使上海文化局建立了一个“舞台照明技术研究室”，该室专门研究舞台照明设备的研究和开发。

改革和开放后，不断引入新的外国技术，晶闸管多电路分配设备，舞台照明微型计算机控制系统，舞台激光应用技术，舞台紫外线光控制技术等。中国的舞台照明已成为宏伟的视野。在1980年代和1990年代，在中国歌剧舞台上出现了一系列新颖的好节目，例如Yue Opera“ West Chamber”和Urban New Huai Opera“ Golden Dragon and Mayflies”，并在中国歌剧舞台上出现了。观看戏剧的人不仅鼓掌，而且即使是始终尊重歌剧艺术传统并研究歌剧法则的专家也发表了论文，他们相信照明技术可以在歌剧阶段实现伟大的事情。因此，在歌剧世界中，照明才能的培养也受到重视。甚至负责促进歌剧传统的中国歌剧院也设立了一名照明专业。

在歌剧舞台上照明的任务不再只是照亮舞台。在相对标准化的现代舞台上，照明设计已成为戏剧创作的重要手段，并已成为控制舞台节奏的重要艺术创作，表达了舞台的时间和空间，使场景氛围描绘了人物，描绘了人物，并反映了戏剧的主题。成功的舞台照明已成为一种有机成分，可以补充出具有良好综合特征的歌剧艺术中的“四种实践和五种方法”。在一些新创作的歌剧中，照明已成为必不可少的艺术手段。当前的歌剧阶段形成了一种由照明和舞台设计创造的戏剧艺术模式，该模式与传统的歌剧表演平行，相互补充和发明。如今，大量的照明才能进入了舞台设计的行列，每个人都具有创新性和开花，并且出现了杰出的才能。 （作者是著名的歌剧理论家和教育家）

照明工程师的行业思维

- - 与Zhejiang Xiaobaihua Yue Opera Troupe的国家一流照明设计Zheu Zhengping

我们的记者Zhang Wei

30年来有255场戏剧，任何听到这组数字的人都可能会震惊 - 可以说，周·周平的舞台照明艺术直接影响了当代中国戏剧的舞台外观。 “骑像一首歌一样，以同样的方式讲话” - 几天前在杭州举行了郑金的当代照明艺术作品研讨会和第二届国际舞台照明设计会议。有人认为，这一事件是周句的定性例子，是中国舞台上照明行业的“第一”，这一说法实际上是不准确的。因为在国内外，数百名专家和行业内部人士的聚会带来的社会影响使舞台照明始终缺乏外界的关注，因此被普通观众放大和接受。这本身已经超出了个人宣传的范围，并且已成为追求独立价值定位的行业行为。

这不是单身艺术家

记者：舞台照明行业几乎从未组织过如此大的论坛，行业设计师也没有进行过这种个人作品讨论。他怎么想在如此大的大张旗鼓上以领先优势来实现这一目标？

周申：这样做的想法已经超过一年。但这并不意味着每个人都应该关注单个艺术家。如果仅对我个人而言，我可以找到一个具有良好写作风格的作家来赞美它。我将在媒体上大惊小怪，并制作几本书，这可能会有更好的结果。在这个行业工作了很多年之后，我积累了一定数量的联系，并以我的个人名字来做到这一点，希望找到更多的人参与并邀请所有与我的“光”有关的人。这次，我们不仅是由照明和舞台艺术界的同事来到的，而且还来自政府代表，编剧，导演，理论家，教育工作者，剧院（剧团）代表，外国专家和其他人。这些人可以一起建立一个更高，更完整的平台。每个人都可以讨论并探索将来的舞台照明艺术将来会做什么，也可以使彼此的观点和追求更加清晰。有人说你为什么要花很多钱和努力？但是我认为能够真正完成这项活动是值得的。

记者：努力是值得的，误会又如何呢？实际上，我确实听到了一些误解，但是您实际上是一个低调且受到约束的人。

周申：任何专业的人都必须有对此充满热情的人，并为此做一些可以吸引更多关注并获得更多发展机会的事情。我们并不是想赢得个人关注。只有当我们的职业被关注别人时，我们才能谈论要注意他们。与我合作的剧团想送我花鲜花和花篮，以及那些反复打电话给我送我黄金的人。我说我不接受任何此事，因为这将重点完全变成了周的庆祝活动。我希望参加一次学术会议，我的愿景可以从周的Zhengping开始，但是基于分析，探索创建作品过程以及未来计划的经验和缺点。包括为什么我邀请来自国际舞台艺术组织的人们来？我希望我们的讨论可以符合国际标准。我在1980年代进入了Zhejiang Xiaobaihua Yue Opera剧团，经常参观该团。尽管我与国外进行了很多交流，但我并不深入。在实际层面上，它们都是短期的，缺乏意识形态的交流。多年来，我们在中国付出了很多努力，并取得了一定的成果。近年来，如何使我们的专业对话并与国际工业建立联系并将我们的舞台艺术纳入国际类别。包括第二年去韩国参加世界舞蹈展览会的时候，我将自己的作品收藏给了来自各个国家的代表。后来，日本邀请我进行讲座。只是我自己的认可吗？人们不希望中国照明艺术取得如此巨大的发展，而中国人可以拥有如此强大的作品。

记者：现在回顾过去，您认为与最初的期望和想法相比，您认为活动的实际状况已经达到了多少？

周申：这主要距离我对形式的期望有点远。事实证明，我希望这个论坛能够拥有更多的互动内容，不同的创意团队，不同的创意部门以及不同的地区可以交流和对话，而不是简单地进行报告。例如，我最初的计划是在第一个早晨进行短暂开放，并且在3小时内完成。然后，我可以与与我合作的创意团队进行采访风格的对话。例如，上海Yue Opera的概念是现实的和绘画的。当它达到Zhejiang Yue Opera的发展阶段时，我开始追求徒手，诗歌和绘画以及空灵的舞台艺术风格，并谈论这些主题，如何完成照明，舞台艺术和光线如何协调，以及如何在空心舞台结构中流动的光线以及如何改善这种舞台空间的状态？如何在空灵的环境中为导演的舞台待遇创造出歌剧情况？

记者：您的意思是，不同的创意部门已经解释并参与了讨论，这相当于解构完整的创作过程？

周周宁：是的，每个人都在谈论它，但更多的是关于照明的创意概念和要求。然后，第二天，每个人都可以谈论他们围绕这些主题的兴奋和灵敏度的经验，观点，建议和思想。这是我对此事件的最初想法，但是为什么以后再也没有实现呢？这就像舞台游戏的创作一样。您缺乏初步准备的时间和精力，并且您没有综合，并且匆忙制作，结果会有些混乱。帮助我这样做的主要小组是我们的舞台团队。每个人都工作并同时做。没有专业的准备团队，因此在后期阶段，杂务和问题变得越来越暴露。

我们不是被动设计，我们必须有一个导演意识

记者：由于我们谈论通过解剖创作过程讨论舞台照明创建，请继续谈论灯光设计如何介入戏剧创作的初始阶段？我应该首先考虑什么？

周句：在当代歌剧创作的整个过程中，当前的照明已从以前的被动局势转变为前沿，并与导演同时提前。在我们所有的合作创意团队中，导演将尽快考虑您，并参与创建戏剧。您第一次参与其中的不是如何使用光，而是要讨论要追求哪种舞台形象和风格。照明曾经是一个创意部门，人们只在拍摄剧本后才干预，但是现在作为照明设计师，您的文化角色，思考领域和艺术上的欣赏必须与导演和整个创意团队同步。

记者：这意味着在早期创作准备中没有详细的劳动分工，并且参与者需要能够从相同高度查看细节，而不是从细节处理的角度抬头？

周申：这就是意思。我们不是被动的设计，因此我一直强调，任何创意部门都必须在创作过程中具有导演的意识，因为有了导演的意识，您可以更清楚地清楚对以后阶段的特定处理，应该表达什么程度，以及为什么？您必须有这样的确定性才能自由讲话。

记者：那么，在以后的操作层面，您是否曾经经历过？您有一些技术偏好，但它们与整体风格冲突。你怎么放弃它？还是您熟练地做这两个事情？

Zhou Zhengping：我想到的第一件事是艺术风格，然后我考虑了我需要使用什么才能实现这种风格。对我们来说，最重要的是如何在有限的情况下最大程度地提出光，光，颜色和风格的元素，颜色和风格的概念。过去，照明创建非常个性化，但现在强调，表达我们在技术词汇中所追求的舞台风格并能够很好地掌握它们是设计师的最高水平。为什么我们在舞台上看到一些特别突出的照明应用？我认为这部戏还可以，但是舞台太混乱又脏了吗？这是因为无法掌握照明设计。限制个人原始例程的痕迹并表达最新所需的舞台风格是最重要的事情。对我来说，这不能说这是完全这样做的，因为有很多因素。例如，Yue Opera“ Lu You and Tang Wan”，这部戏剧在舞台照明设计中改变了戏剧创作的共同外观，并打破了当时在Opera舞台上使用的灯的概念，包括灯具设备。以前，我们的舞台使用了许多高强度的回光灯，它们令人眼花and乱，色彩很强，剧院中配备的大多数灯就是这样。或者，我们对照明设计有许多限制，并且该剧院只有这样的照明设备。你做什么工作？ “ Lu You and Tang Wan”恰好具有相对较高的阶段条件。在这样的阶段，我有这样做的条件。当时，我制作了一个舞台屏幕，高度仅为4米，通常高7或八米，因此舞台设置延长了，所有舞台灯都发生了相应的变化。我买了一批小灯，这些灯更柔软，有弥漫的感觉。我曾经大量使用密集的灯光，但是这次我没有使用它们。这主要是图片主题的舞台风格。角色在图片中非常简单和诗意。

记者：从那时起，您就开始拥有“照明诗人”的昵称。您后来的许多作品都强调了“诗意”戏剧的概念。从照明设计的角度来看，您如何理解所谓的“诗意”？如何运作以实现光和诗歌的联想？

周周开：我追求简单和徒手绘画。这种追求决定了我的照明设计的风格。我们将光视为一种语言。光不是固定的照明或稳定的东西。它必须非常流畅，并与阶段的表现和促进图并行进行。随着演员的情绪的变化，在非常严格的戏剧性节奏下，光变化的颜色和控制。光的颜色和对比必须与角色的情绪一致。实际上，“诗意”是一种非常内在的感觉。为了使观众感到富有诗意和风景如画，有必要使观众与观众的情感和舞台上的角色进行紧密联系并进行交流。过去，在一个稳定且照明的阶段，戏剧性的情况只能由演员的表演创造，但现在我们使用灯光参与了这种表达方式。例如，在Yue Opera的“西部商会”中，在“ Lai Jian”之前，导演同时将Yingying，Zhang Sheng和老太太安置在舞台上。这三个表演领域的戏剧性情绪不同。整个舞台都非常空灵，没有太多的舞台设计或道具无法帮助。如果您仅依靠演员的表现来展示它，那么观众将很难进入情况。这要求我们使用不同的照明治疗来帮助演员表演并促进观众进入情况。不同的灯光与不同角色的情绪同步，并参与整个歌剧行为。

创作是在实践中补充的，而不是在想象中

记者：我一直认为有一个值得考虑的现象。表演行业以外的许多舞台艺术家，例如编剧和具有创造性成就的导演来自当代演员，您还可以从吉吉安格·沃（Zhejiang Wu）的无与伦比的演员切换来进行照明设计。这不是巧合。

周申：这个话题对我来说更有趣。无论是舞台照明还是任何其他舞台艺术行业，都有演员背景，尤其是歌剧，这将使您对舞台上的比例感更有信心。我从演员转变为照明职业，因此在掌握表演节奏方面，我的照明将更加准确。不管锣和鼓是否被敲打，我都可以在内心得分。我知道演员何时需要他们最大的东西。而且，在我的创意概念中，由于我是传统的歌剧，因此虚拟和徒手绘画的概念一直很强，这直接影响了我的创作风格。例如，Zhejiang Kunqu Opera Troupe的负责人Lin Weilin参加了表演，导演邀请了芭蕾舞团的照明设计，但结果令人不愉快。为什么？因为芭蕾舞的光都是光明的，脚非常明亮，但是演员的脸和身体都是黑暗的，这对于歌剧表演来说是完全不可接受的。歌剧演员的表演，更不用说外表和造​​型了，甚至是他们的眼睛的震颤，甚至脸上的震颤都是知识的。结果是黑暗的，观众可以看到什么？在舞台上，我们的光或任何辅助艺术风格是舞台表演的参与者，必须遵守其规则。当然，这并不意味着没有演员经验，您就无法在舞台创作方面做得很好。关键是弥补缺点。就像我去大学学习时一样，我补充的是技术和人文特质。因此，在这些大学中急需弥补的年轻人训练的是舞台练习。我反复向自己的学生强调了这一点。我们必须拥有理论和实践经验，成为一名非常好的运营专家，并做特定的工作，即使这是一项小工作。舞台创造力在实践中不断补充，而不是在想象中。

灯光如何成为舞台的灵魂

Liu Wenhao（国家一流舞台（照明）海军事务剧团设计）

早在1940年代，捷克世界著名的舞台艺术家和戏剧大师斯沃博达（Svoboda）预测：“未来的舞台艺术的发展将是光明和阴影的新时代。”随着科学和技术的快速发展，尤其是电子和光学技术的广泛和有效利用，舞台照明长期以来从早期的照明和模拟转变为艺术建模，氛围渲染，艺术概念创造，戏剧情节发展准备，太空组成，以及戏剧角色的心理和情感表达和外观。其他照明和舞台艺术的部门，尤其是音乐，共同创造了视觉和听觉艺术的想象力，并为表演和观众而享受。

英国著名戏剧家兼导演戈登·克莱（Gordon Clay）说：“灯光是舞台上的刷子，舞台上的灯光是灵魂。”该声明完全强调了灯在舞台上的重要性。由于表演的最终完成和反思，尤其是舞台上各个部门的最终综合，因此最后一个过程是通过照明完成的。艺术，服装，道具，化妆，音频，甚至演员的表演和日程安排都需要光来制作最终的颜色和涂抹。需要使用光来指导观众的视野，看到什么，隐藏什么，突出显示，稀释什么，稀释和稀释的东西。光需要有机地，有序地将所有舞台艺术部门的艺术整合形成协同作用并促进性能。

在舞台艺术中，需要将照明放置在正确的位置。像其他部门一样，照明隶属于舞台艺术的第二次创作。换句话说，照明不是舞台艺术的主体。它需要附着在主要艺术上，没有主要艺术的存在，就没有活力。因此，灯所携带的任务受到限制。只有通过仔细而深入的研究和对表现（脚本）的讨论，导演通过仔细而深刻的研究和讨论（脚本）（脚本）来确定适合性能的形式，有机地，有序地将光的风格和表达整合到整个创造中，并适当，巧妙地渗透到绩效中，光明能否渗透到绩效中，光明能否具有生动和生动的艺术价值，并且具有真实的艺术价值。

在创造表演时，照明应该展示一个人的个性和哲学。设计没有自己的个性或概念，甚至绘画都在整个天空中飞舞，而且它们仍然没有活力。如果脚本是“源”，而第二个创作是“频道”，则有必要使水流平滑，流量方法多样化，以便可以将“源”和所有“通道”集成到力量中并流入观众的心中。同时，您建立的“频道”，无论形式，方法或手段如何，都必须强调您的个性，具有创新性并具有国际观点。

在创建照明时，我们必须准确掌握“程度”的概念。这与设计师的教育水平，文化遗产，艺术培养和实践经验有关。 If he has a thorough understanding of the performance, his skill is sophisticated, he communicates with the director and various departments in a timely manner, and the standards he grasps are naturally accurate and in place, and the expression techniques, technical means, color composition, rhythm control, etc. are closely related to this.

At the same time, as a designer, what we should avoid in creation is: (1) We cannot rely too much on so-called high-tech technologies and equipment, blindly pursue the colorful and changes of lights, and do not organically integrate the unique artistic language and expression forms of light into the performance, resulting in a scattered appearance, the form is greater than the content, and even interfere with the main art and performance, becoming light pollution on the stage. (2) The concepts are outdated and adhere to the rules. Today, with the development of science and technology, we still hold out old creative concepts and are even satisfied with staying in the function of performance lighting. (3) It is passive in creation, and cannot understand and explain the performance (script) from a professional perspective, provide suggestions for the overall stage creation, blindly obey, and even all lighting, colors, changes and other directorial instructions.

If literature studies how to use language and concepts to stimulate people's reactions, architecture explores how to arrange materials in space to make them rich in expressiveness, music studies how to use sound to create people's emotional ups and downs again, and sets explore the use of colors and lines to reflect the inner spirit of the performance, then lighting uses the melody of colors, the changing rhythm, and the charm of light and shadow, and in the real stage space, it is accompaniment of silent symphony for the performance.